Журнал Secreta Artis

С. Н. Андрияка. Памятка начинающему рисовальщику

С. Н. Андрияка. Примеры базовых заданий программы предпрофессионального образования по авторской методике Сергея Андрияки (первое полугодие обучения академическому рисунку)

О. В. Волокитина. «…Небо в чашечке цветка»

Д. A. Колесников, В. A. Еременко. Опыт изготовления малотиражного ювелирного значка в честь десятилетнего юбилея Академии акварели и изящных искусств Сергея Андрияки

• И. A. Шик. Пейзаж в ленинградском фарфоре периода «оттепели»

  Пейзаж становится одним из магистральных жанров ленинградского фарфора периода «оттепели», что отражает особенности советской культуры второй половины 1950-х – 1960-х годов с характерным для нее стремлением к освоению новых пространств, изменением облика городов и массовым строительством. К нему обращаются такие известные художники-фарфористы, как Владимир Городецкий, Нина Славина, Антонина Семёнова, Лариса Григорьева, Тамара Безпалова-Михалёва, Лидия Лебединская и др. При интерпретации пейзажей в «современном стиле» они часто стремятся передать «общее впечатление от изображаемого» посредством использования отдельных знаковых мотивов, позволяя фантазии зрителя самостоятельно достроить образ. Пейзажи могут носить стилизованный, графичный характер или, напротив, отличаться живописной свободой. В некоторых случаях пейзаж сближается с абстракцией, символически передавая характер того или иного времени года. В трактовке городских и пригородных пейзажей художники часто используют ярусный тип композиции, сочетая лаконичность линейного рисунка и яркий выразительный колорит или, напротив, делая его почти монохромным. Облик Ленинграда трансформируется в фарфоре в соответствии с требованиями «современного стиля»: строгая классика объединяется с модернисткой стилизацией. Художников привлекает тема нового строительства, воплощаемая в изображениях возводимых домов, подъемных кранов, индустриальных конструкций. Пейзажи в фарфоре отличаются гармоничностью сочетания формы и росписи. Художники часто стремятся подчеркнуть особенности формы, соответственно ей выстраивая композицию и расставляя визуальные акценты. Они нередко оставляют бо́льшую часть поверхности предметов без росписи, подчеркивая красоту и звонкую белизну фарфора или используя ее как элемент художественного образа. В то же время художники активно применяют прием цветного крытья, нередко дополненного линейной росписью или прочисткой, а также экспериментируют с непредсказуемыми эффектами растекания красок. Колористическое решение росписей предельно лаконично: обычно используется не более двух-трех цветов.

Е. В. Степанян. Роман о цвете

Я. Э. Зеленина. «ПОБЕЖДАЯ ВЕЗДЕ, А НЕПОБЕДИМ». ГЕРОИЧЕСКАЯ ТЕМА В АКВАРЕЛЬНОЙ КАРТИНЕ.
Из рецензии на выпускную квалификационную работу И. В. Карамаликовой, руководитель – С. Н. Андрияка

С. Л. Кривцов. «...Думать, смотреть, анализировать, искать»

С. Н. Андрияка. Сочинение живописного пейзажа на основе натурной зарисовки

• Е. В. Давыдова. Подписные произведения резчика Григория Бондаревского

  Резные иконы и кресты киевских мастеров XIX века до сих пор не становились объектом отдельного исследования несмотря на их широкое распространение в России. За редким исключением подобные памятники лишь в единичных экземплярах можно увидеть в каталогах выставок и музейных собраний. В статье впервые собраны и рассмотрены подписные произведения неизвестного до настоящего времени киевского резчика Григория Бондаревского, работавшего во второй трети XIX века. Они включают четыре иконы и один крест, выявленные в музейных и частных собраниях разных городов. Трудность определения этих предметов связана с тем, что мастер не всегда полностью указывал свое имя и фамилию, но чаще вырезал лишь первые буквы. Анализ памятников позволил выяснить их программу, определить особенности авторской манеры резьбы и выявить некоторые обстоятельства, связанные с их изготовлением, а также приблизительно расположить по хронологии создания. Сюжетный ряд нескольких предметов с изображением чрезвычайно популярной в Киеве сцены «Успение Богоматери» связан с традицией изготовления резных икон и крестов для киевских паломников, однако они не принадлежат к массовой продукции, а сделаны на заказ. Для понимания технологии создания подобных изделий дана краткая характеристика резного промысла Киева, основные сведения для которой почерпнуты из единственной публикации середины XIX века. В ходе работы с архивными документами выяснилось, что имя Г. Бондаревского было хорошо известно и в центральной России, где он пользовался авторитетом как выдающийся резчик. Другой исполненный им образ «Богоматерь Абалацкая», а также напрестольный крест со сценами Страстного цикла, праздниками и с избранными святыми свидетельствуют о его связях с Сибирью.

А. В. Данилов. О работе над картиной «Встреча Жуковского и Гоголя с Пушкиным в Царском Селе»

• А. М. Левченков. Искусство портрета. Вводная беседа со студентами

  Предлагаемые для преподавания портретной живописи материалы базируются на не публиковавшихся ранее архивных документах семьи Юрия Ивановича Скорикова, членом которой является автор настоящей статьи. Ю. И. Скориков (1924–1994) – Заслуженный художник РСФСР, который много лет преподавал в Доме творчества «Горячий Ключ» (творческая дача Союза художников РСФСР) в Краснодарском крае. В «Горячем ключе» Ю. И. Скориков читал рассчитанный на 300 часов курс лекций по теории живописи, проводил практические занятия. Многие художники из различных регионов СССР имели возможность посещать эти лекции. Благодаря деятельности Скорикова с 1960-х годов город Горячий Ключ стал своеобразным Барбизоном для художников Кубани. На юге России до сего времени достаточно высок уровень реалистической школы живописи. Между тем не существует публикаций, посвященных описанию актуальных и сегодня оригинальных теоретических наработок Ю. И. Скорикова. Данная статья восполняет этот пробел, существенно расширяя информацию о русской советской школе живописи второй половины XX века. Художественные принципы Ю. И. Скорикова успешно используются автором статьи для преподавания портретной живописи в Академии акварели и изящных искусств Сергея Андрияки с учетом знаний, полученных во время учебы в Российской академии живописи, ваяния и зодчества Ильи Глазунова, личного опыта творческой и педагогической деятельности.

• Я. Э. Зеленина. Иконы и иконописные образцы. Новые штрихи к иконографии реликвария с мощами святителя Афанасия Лубенского

  В Мгарском монастыре вблизи города Лубны в Полтавской губернии Малороссии с 1660-х годов почитались нетленные мощи патриарха Константинопольского Афанасия III (Пателлария), который был погребен по греческому обычаю сидящим в кресле. Из-за длительной неопределенности в официальном признании его святым в иконографии патриарха практически нет традиционных иконописных образов. Вместо них получили распространение небольшие паломнические изображения раки с его мощами или всего надгробного комплекса. Обнаруженные в музейных и частных собраниях иконы и иконные образцы, а также документы о перенесении мощей и оформлении реликвария позволяют расширить представления о специфике и этапах развития этой необычной композиции. Выявляются несколько последовательно сменявших друг друга иконографических изводов, связанных с изготовлением новой раки для мощей святителя и расширением его почитания после публикации материалов по агиографии. Несмотря на то что большинство сохранившихся икон выполнены в малороссийских землях, они были востребованы и копировались мастерами Центральной России. Изображения лубенского святого, созданные в монастырских мастерских или по заказам Мгарской обители, характеризуют малоизвестный центр местного иконописания конца XVIII – середины XIX века.

Д. Ю. Долгарева. Рисую, смотря в окно вымышленного мира

• А. И. Чернышева. Н. Н. Зедделер и А. П. Сомова-Зедделер – забытые имена русского искусства начала ХХ века. Японизм в русской графике начала ХХ века

  Японизм относится к недостаточно изученной пока что странице русского искусства ХХ века. В то же время его популярность на рубеже ХIХ–ХХ столетий совпала с необычайным расцветом русской цветной гравюры. Наряду с признанными мастерами вроде А. П. Остроумовой-Лебедевой и В. Д. Фалилеева, важный вклад в формирование этого явления внесли художники Н. Н. Зедделер и А. П. Сомова-Зедделер. Их творчество до настоящего времени не привлекало пристального внимания исследователей. Литература, в которой бы системно анализировалось их наследие, отсутствует, существуют лишь краткие упоминания в периодической печати той поры, публикации, приуроченные к выставкам 1900–1910-х годов, в которых участвовали художники. Н. Н. Зедделер и А. П. Сомова-Зедделер были хорошо известны в артистических кругах России и Европы в начале столетия. Художественное образование они получили в Мюнхене и Париже, их произведения прекрасно встраиваются в контекст искусства первых лет ХХ века и дополняют картину того времени важными штрихами. Однако в дальнейшем творчество этих мастеров не было оценено по достоинству и оказалось забыто. Необходимо отметить, что восстановление полной биографии обоих авторов крайне затруднено по ряду причин: отход от художественной практики после начала Первой мировой войны, отрывочный и скудный архивный материал, малое число дошедших до нашего времени работ, трагическая и сложная судьба как Н. Н. Зедделера, так и А. П. Сомовой-Зедделер… Таким образом, статья призвана заполнить одну из лакун в истории русского искусства ХХ века. В ней проанализированы гравюры Н. Н. Зедделера и А. П. Сомовой-Зедделер из собрания ГМИИ им. А. С. Пушкина, созданные в 1900–1910-х годах и прежде не рассматривавшиеся исследователями.

• С. Н. Андрияка. От натурного рисунка к пейзажной картине

  Изучение пейзажа в художественных учебных заведениях обычно сводится к чисто натурной работе – студенты пишут с натуры и только с натуры то, что им «предлагает» природный мотив. Поэтому современный художник как правило не умеет сочинять композиционный пейзаж, не понимает, как создается образ в пейзаже. Он привязан к натуре. Он не знает, что ради задуманного образа пейзажист может, даже обязан что-то преувеличивать, где-то изменять композицию природного мотива, его цвет, пластику, масштабы, какие-то детали убирать... Парадоксально, но абсолютно каждый зритель «узнаёт» памятные для себя места именно в тех пейзажах, которые написаны не с натуры, которые изображают не конкретный пейзажный мотив, но сочинены, очищены ото всех случайностей и ненужных мелочей (как и наши воспоминания об увиденном). И наоборот, зритель не «узнаёт» чисто натурные пейзажи. Тенгиз Абуладзе как-то сказал мне: «В настоящем образе всегда есть узнаваемость, а в конкретике ее нет». Он сформулировал то, что должен понимать каждый художник. Это не значит, что не надо делать с натуры пейзажных этюдов. Их можно и нужно делать. Но в первую очередь необходимо учиться создавать художественный образ. И ни в коем случае нельзя быть в плену у этюда. Впрочем, как и в плену у фотографии. Что происходит при работе с фотографии? Художник становится рабом копирования фотоизображения и сделать уже ничего не может. Фото берет тебя «в клещи», ты ему следуешь, и ничего не получается. Вот это страшная вещь, страшная правда.

• Д. Ю. Лисиченко-Лисица. Мастерская римской мозаики: дипломные работы студентов в 2018−2021 годах

  В Академии акварели и изящных искусств Сергея Андрияки помимо обычного для российских художественных вузов комплекса дисциплин (рисунок, живопись, композиция) студенты изучают большое количество прикладных предметов: витраж, основы ювелирного дела, римскую и флорентийскую мозаику, гончарное искусство, роспись керамики и т. д. Каждый дипломник защищает выпускную квалификационную работу (ВКР), состоящую из станковой картины и прикладной части с использованием любой из освоенных техник. С предметом «Римская мозаика» учащийся знакомится на четвертом курсе. На выполнение небольшой авторской работы отводится 95 часов. Студент делает серию эскизов по темам на выбор: портрет, натюрморт, звери, птицы, рыбы. Самый удачный эскиз переносится в размер и отрисовывается. На этом этапе продумывается структура кладки и модульность будущей мозаики. Обращаясь к данной технике, ребята нередко увлекаются ею и выбирают ее для прикладной части своего диплома. В Академии имеется просторная мозаичная мастерская с большой цветовой палитрой смальты и мрамора. Тут можно найти весь необходимый инструмент для колки: молотки, щипцы, специальную гильотину. Здесь работают как студенты, так и мастера, выполняющие более сложные художественные задачи (в некотором роде происходит наглядное обучение). Ниже представлены работы, выполненные в технике римской мозаики и являющиеся прикладной частью выпускных квалификационных работ.

• А. Р. Давлашян. О преподавании рисунка детям на примере работ Евгении Кульшенко, ученицы предпрофессионального отделения Академии акварели и изящных искусств Сергея Андрияки в 2015 – 2016 годах

  SA постоянно публикует произведения лучших учеников предпрофессионального отделения Академии. Их результаты напрямую связаны с методикой преподавания и мастерством, талантом преподавателя. В этой статье художник-педагог Алла Давлашян делится своим педагогическим опытом, методическими наработками, которые помогли талантливой трудолюбивой ученице Евгении Кульшенко создать блестящие рисунки.

Е. А. Надеждина. Иллюстрируя «Старика Хоттабыча»

Я. Э. Зеленина. «…И съкруши идолы». Из рецензии на выпускную квалификационную работу Н. А. Васильевой, руководитель – С. Н. Андрияка

Н. C. Веселова. Изучение реставрации живописи как эффективный метод развития профессионализма и творческих способностей студента художественного вуза

• О. А. Лысенко. Картинные рамы Александра Самохвалова: традиции и новаторство

  В последние годы в отечественных музеях наметились две противоречивые тенденции, связанные с изучением и экспонированием картинных рам. С одной стороны, эти произведения оказались наконец в фокусе научных интересов, появились публикации, посвященные развитию рамочного дела в России. Вместе с тем обрамление картин в музеях по-прежнему не осуществляется на основании проведенных исследований. В условиях активно развивающегося багетного рынка искусствоведы все чаще заменяют исторические рамы фабричным ширпотребом, не задумываясь ни об исторической достоверности и подлинности рам, ни о необходимости следования авторской концепции. Между тем известно, что художники различных эпох, как правило, с большим вниманием относились к выбору картинного обрамления, а некоторые сами его создавали. К последним относится и А. Н. Самохвалов. Целью данной статьи является изучение рам Самохвалова, а также привлечение внимания специалистов к проблеме авторского картинного обрамления. Рамы Самохвалова отличаются оригинальным дизайном и в значительной степени влияют на восприятие живописи. Несмотря на то что творчеству художника посвящено немало искусствоведческих трудов, никто из исследователей не уделил внимания проблеме картинного обрамления. В данной статье в научный оборот впервые вводятся чертежи и рисунки рам Самохвалова, а также созданные по ним оригинальные произведения. На основании сравнительного анализа атрибутируются рамы художника из собраний различных музеев. В результате стилистического анализа и сопоставления созданных художником рам с картинными обрамлениями XVII–XX веков выявляются традиционные и новаторские черты в работах Самохвалова. Статья освещает неизученную грань творчества художника, дает возможность по-новому увидеть его работы. Исследование позволит в дальнейшем сохранить уникальные рамы Самохвалова в музеях страны, экспонировать его произведения в соответствии с авторским замыслом.

О. А. Лысенко. Об атрибуции рамы к картине К. А. Сомова «Обнаженный юноша (Б. М. Снежковский)»

С. Н. Андрияка. Как писать дорожные этюды?

• Л. П. Тарасенко. Икона «Богоматерь Тихвинская, с клеймами сказания» из собрания исторического музея

  Статья посвящена истории бытования, уточнению литературного источника, анализу иконографической программы, композиционных особенностей и художественного своеобразия иконы «Богоматерь Тихвинская, с клеймами Сказания» последней четверти XVII века из собрания Исторического музея. Произведение оказалось в музейной коллекции благодаря глобальным изменениям в послереволюционной России, вызвавшим масштабное перемещение культурных ценностей. Икона происходит из тихвинских земель и принадлежит к малоизученной культуре русской провинции. Исследования последних лет выявили целый пласт произведений, связанных с иконописцами Тихвинского посада. Икона «Богоматерь Тихвинская, с клеймами Сказания» представляет собой яркий образец искусства тихвинских мастеров второй половины XVII века.

• Д. A. Абдуллина. Ребенок в образе или образ ребенка: отечественный детский портрет в живописи и фотографии 1850-х − начала XX века

  Стилистика детского портрета в России в 1850-х годах – начале XX века претерпела значительные изменения благодаря возникновению фотографии (светописи). Ранняя фотография начиная с 1850-х годов заимствовала композицию, выразительные средства и атрибуты у живописи. К концу столетия художники начали уделять внимание достижениям фотографии в портретном жанре, стремясь изображать детей не постановочно, но в моменты игр, занятий и отдыха, проявляя внимание к эффектам фотосъемки, в частности обрезанному и «смазанному» кадру. Многие российские художники использовали фотоэскизы, переосмысляя и пересоздавая в своих работах образ ребенка. На рубеже XIX–XX веков детский живописный портрет превратился в средство выражения «я» художника. Детская фотография, напротив, ориентировалась на конкретного ребенка, продолжая документировать этапы его развития. Технически данный вид искусства продолжал совершенствоваться, что обусловило расцвет детского фотографического портрета в последующие периоды.

• С. Г. Батырева, Д. Гантулга. Цвет и пространство в традиционной культуре ойратов Монголии и калмыков России

  Традиционная культура homo mobilis – предмет отечественных и зарубежных исследований. В центре внимания ученых – во многом оставшийся в прошлом образ жизни номадов. Это относится, в частности, к калмыкам, наследникам ойратов, пришедшим в XVII веке из Западной Монголии в степи Северного Прикаспия. Скотоводы-кочевники осваивали обширное пространство, используя традиционную форму хозяйствования. Тысячелетний опыт проходившей в постоянном движении кочевой жизни, тесных взаимосвязей с природной средой сказался не только на бытовом укладе, но и на представлениях о мироустройстве. С точки зрения номадов «срединный мир» (мир людей) существует в тесном контакте с небом и землей. Небо – основатель-творец всего сущего, источник происходящего на земле. С этой картиной мира связано диалектическое представление об обеспечивающих целостность мира, взаимоисключающих и дополняющих друг друга началах арга и билиг. Философское учение монголов арга билиг распространяется и на традиционную символику цвета, которая выражает представления о взаимосвязях мироздания и человека. Художественное воплощение религиозно-философских идей, детально развитых в мировоззрении ойратов Монголии, получило дальнейшее развитие в трансграничной культуре калмыков России; традиционная символика цвета и пространства сохраняется и преобразуется ими. Сравнительно-сопоставительный анализ художественных традиций c использованием методов истории, этнокультурологии, искусствоведения и философии позволяет выявить общее и различное в культурах ойратов Монголии и калмыков России.

С. Н. Андрияка. Акварель без предварительного рисунка. Светлые цветы на светлом фоне

• Д. В. Фомичева. «Живописная» графика: техника трех карандашей, многослойный угольный рисунок

  В статье описаны методы достижения живописных качеств в рисунке мягкими материалами: 1) создание эффекта полихромного изображения с использованием крайне ограниченной цветовой палитры (белый, черный и красный мел (сангина)); 2) последовательная работа над многослойным угольным рисунком с применением технических приемов, которые аналогичны приемам многослойной акварельной, масляной, пастельной живописи и рисунка на папье-пелле. Исследование впервые проведено путем анализа данных учебных пособий по рисунку, каталогов производителей и поставщиков художественных материалов во Франции, Великобритании, Германии, США, Российской Империи, изданных во второй половине XIX – начале XX века. Помимо этого, автором статьи была сформирована коллекция антикварных инструментов и материалов рисунка (уголь, итальянский карандаш, соус, сангина и мел), которые использовались в рассматриваемый период. В приложении к статье приведены фотографии этих инструментов и материалов в сопровождении сводных данных из руководств для художников, каталогов и прейскурантов поставщиков материалов для рисунка в Лондоне, Париже, Нью-Йорке, Санкт-Петербурге, Москве, Казани, опубликованных за период с 1851 по 1913 год. Техника рисунка второй половины XIX века – одна из наиболее сложных за всю историю графики, ее особенность – редкое разнообразие инструментов и тонкая продуманность приемов. В результате проведенного исследования автору статьи удалось расширить и дополнить сведения о графических техниках, что позволяет преподавать академический рисунок и изучать историю рисунка с использованием новых данных и уникального иллюстративного материала.

• Е. М. Гражевская, А. Б. Попов. Проблемы организации серии офортов. На примере создания выпускной валификационной работы Елены Гражевской. Руководитель – заслуженный художник России, член - корреспондент РАХ Алексей Попов

  В статье раскрывается ряд универсальных для произведений изобразительного искусства (включая фотографию и дизайн) законов организации серии двумерных изображений. Авторы обсуждают ключевые принципы создания серии на примере поэтапной работы над пятью офортами Елены Гражевской «Травы». Этот цикл создан под руководством заслуженного художника Российской Федерации, члена-корреспондента Российской академии художеств А. Б. Попова в качестве выпускной квалификационной работы в Академии акварели и изящных искусств Сергея Андрияки. Авторы статьи обсуждают задачу выбора форматов композиций и зеркального повтора форматов относительно центрального листа серии на стадии разработки ее предварительных эскизов. В статье уделяется внимание проблеме грамотной композиции пространства в симметричных изображениях (достижения сходной глубины в парных листах серии). Раскрыты основные приемы работы с тональным решением серии: единство и противоположность композиции светов и теней в листах, симметричных относительно центрального. Обсуждается проблема грамотного выбора техники, оптимальной для выполнения данной серии офортов: обосновано сочетание техник акватинты и травленого штриха, что дало возможность соединить детальное предметное рисование с декоративным рисованием акватинтой как композиционно организующим пятном. Раскрываются принципы подбора краски для печати, в частности в связи с использованием живописного эффекта «двухцветной печати» (применения эффекта тепло-холодности одной краски в слоях различной толщины). Материалы статьи будут полезны педагогам и учащимся художественных учебных заведений всех уровней, фотографам и дизайнерам, а также всем, кому интересна проблематика создания серии произведений визуального искусства.

С. Н. Андрияка, Я. Э. Зеленина. Из опыта руководства дипломными проектами: особенности создания станковой картины в технике многослойной акварели

Я. Э. Зеленина. «Весь мир идет за ним». Из рецензии на выпускную квалификационную работу А. Д. Спиридоновой, руководитель – С. Н. Андрияка

О. В. Волокитина, В. А. Саливан. Натюрморт из старинных книг. Акварель, гризайль (сепия). Наглядное учебно-методическое пособие для преподавания гризайли по авторской методике С. Н. Андрияки

В. А. Лагутенкова. «Не о войне»: новый кураторский взгляд

Е. М. Лукьянова. Пейзажи, излучающие счастье

А. С. Смирнова, Д. В. Фомичева. Теория композиции орнамента в первой четверти XX века. Композиция ленточных орнаментов